Island Records

Island Records fue fundada en Jamaica en 1959 por Chris Blackwell y Graeme Goodall, tomando su nombre de la 1955 Alec Waugh novela, película posterior y Harry Belafonte canción de éxito "Island in the Sun". La compañía se trasladó al Reino Unido en mayo de 1962. Hasta Blackwell vendió la etiqueta de polígono en 1989, la isla fue la etiqueta más larga en la historia del expediente del indie.

Labels

4 Rutland Gate Mews	London England	108 Cambridge Rd.
WI 001 - 1962 to WI 014 - 1962	WI 013  - 1962 to WI 047 - 1963	WI 048 - 1964 to WI 100 - 1964
Island Records was founded in Jamaica in 1959 by Chris Blackwell and Graeme

Dragon Records

Una etiqueta Reggae establecido por Island Records en 1973. Ese mismo año, dragón pasó a formar parte del grupo Mooncrest / B y C / Troya. La etiqueta nunca se molestó en las listas.

Labels

Island	Mooncrest	B&C
DRA 1001 - 1973 to DRA 1011 - 1973	DRA 1013 - 1973 to DRA 1026 - 1974	DRA 1027 - 1974 to DRA 1034 - 1975 Label discontinued

Mel-O-Dy Records

Berry Gordy Jr. fue en un verdadero frenesí de fundar nuevas etiquetas subsidiarios Motown en 1962. Ésta, fundada en junio de ese año, comenzó como una rareza, un cuarto de etiqueta para la liberación de R & B recortes-soul-pop que no lo hicieron cabe en los "tres grandes" de Tamla Motown y Gordy. Los primeros lanzamientos en la nueva etiqueta eran una mezcla de registros del alma en gran parte anodinos que son más notables en la actualidad por lo que sus creadores fueron a hacer después; el primer sencillo Mel-o-dy era Dearest Uno por uno Lamont Dozier, mientras que otros 1.962 no-hits incluidos Mind Over Matter por un grupo llamado "los piratas" (en realidad las Tentaciones bajo un nombre diferente), y usted nunca Acaricie Un amor tan verdadero por "los Vells" (aka the Vandellas).

Ninguno de esos primeros Mel-o-dy registros hizo cualquier negocio, por lo que Berry Gordy Jr dio el control a Al Klein, que se repone por completo la lista, se va a agrupar la música soul y remodelar Mel-o-dy como una etiqueta destinada a la hasta ahora -sin explotar país y mercado occidental. Un par de expedientes de la comedia también salió en la etiqueta a principios de 1963, pero en su mayor parte Mel-o-dy era un país dedicado e reproducción occidental para el resto de su corta vida.

A pesar de la falta de acción de la carta, las ventas deben haber sido respetable, porque la etiqueta lleva a cabo la extinción de los lados país por dos años más antes de cerrar sus puertas en la primavera de 1965. El último single lanzado el Mel-o-dy fue todo lo bueno tiempos pasaron por el sello de los pilares Howard Crockett (una especie de supermercado de marca propia Johnny Cash). Esto marcó la última incursión de Motown en el mundo de la música country hasta mediados de la década de 1970 y las etiquetas Melodyland / Hitsville y MC igualmente corta vida, pero Berry Gordy continuó anhelar audiencias blancas fuera de fans tradicionales de la Motown y con el tiempo fundó el sello de tierras raras para el blanco bandas de rock y pop en 1969.

Todos los singles lanzados por Mel-o-dy expedientes ya se han cubierto en Motown Junkies: aquí hay un total de 45 discografía para el sello.

45 Discography for Mel-O-Dy Records

Mel-O-Dy	101	The Creations	This Is Our Night You're My Inspiration	Jul-1962
Mel-O-Dy	102	Lamont Dozier	Dearest One Fortune Teller Tell Me	Jun-1962
Mel-O-Dy	103	The Vells	You'll Never Cherish A Love So True ('Till You Lose It) There He Is (At My Door)	Oct-1962
Mel-O-Dy	104	The Charters	Trouble Lover Show Me Some Sign	Sep-1962
Mel-O-Dy	105	The Pirates	Mind Over Matter (I'm Gonna Make You Mine) I'll Love You 'Til I Die	Sep-1962
Mel-O-Dy	106	The Chuck-A-Lucks	Sugar Cane Curtain Dingbat Diller	Feb-1963
Mel-O-Dy	107	Jack Haney and Nikiter Armstrong	(The Interview) Summit Chanted Meeting Peaceful	Mar-1963
Mel-O-Dy	108	Billy Merritt	Why Go Out Of Your Way I'll Go Anywhere	not issued
Mel-O-Dy	109	Howard Crockett	The Big Wheel That Silver-Haired Daddy Of Mine	Dec-1963
Mel-O-Dy	110	Gene Henslee	Beautiful Women Shambles	Jan-1964
Mel-O-Dy	111	Howard Crockett	Bringing In The Gold I've Been A Long Time Leaving	Mar-1964
Mel-O-Dy	112	Bruce Channel	That's What's Happenin' Satisfied Mind	Mar-1964
Mel-O-Dy	113	Dorsey Burnette	Little Acorn Cold As Usual	May-1964
Mel-O-Dy	114	Bruce Channel	You Make Me Happy You Never Looked Better	Jul-1964
Mel-O-Dy	115	Howard Crockett	My Lil's Run Off Spanish Lace And Memories	May-1964
Mel-O-Dy	116	Dorsey Burnette	Jimmy Brown Everybody's Angel	Jun-1964
Mel-O-Dy	117	Dee Mullins	Love Makes The World Go Round, But Money Greases The Wheel Come On Back (And Be My Love Again)	Jan-1965
Mel-O-Dy	118	Dorsey Burnette	Long Long Time Ago Ever Since The World Began	Nov-1964
Mel-O-Dy	119	Howard Crockett	Put Me In Your Pocket The Miles	Dec-1964
Mel-O-Dy	120	The Hillsiders	You Only Pass This Way One Time Rain Is A Lonesome Thing	Mar-1965
Mel-O-Dy	121	Howard Crockett	All The Good Times Are Gone The Great Titanic	Apr-1965

Pama records

Desde 1967 hasta 1975 Pama Registros eran sólo superada Troya en su producción de Reggae en el Reino Unido. Este sitio tiene como objetivo ser un referente para todo el material sacado por Pama lo largo de su corta existencia, pero muy prolífico. De los hermanos Palmer primero se sumergen en el negocio de la música con Carlton Alphonso "Where In This World" para el fade out final con los hijos de "Nyah Chant" de Jah que todos ellos estarán aquí (incluyendo caras B). Grandes singles como "The Drifter", "Corazón No Salto" y "ácido seco" a la terrible "Hello Dolly" y "¿Cuánto es ese perrito en la ventana". Sí - incluso de la Butlin Redcoat Revue "Ay Oop Lad, es Terry Dale" está aquí. 

Información sobre cada registro sea lo más preciso que pueda determinar. La entrada principal se toma de la etiqueta con el error obvio limpiado. por ejemplo. Reggie Hit The Town de Los Eathopians (CRAB4A sic.) se muestra como Reggae Hit The Town por los etíopes. Errores en sellos como 478B bala que establece Drums Of Passion de Morgan All Stars está en la lista como tal con la información correcta es decir Juicio Rock por Charlie Ace, se detalla en un pop-up mientras arrastra el ratón sobre el enlace. La mayor parte de esta información ha venido del libro "Tighten Up La historia del reggae en el Reino Unido!" - Una necesidad absoluta para cualquier persona interesada en los registros de Pama y el reggae del Reino Unido en general

The Singles Collection

              

Crab Records

Crab Records era una subsidiaria de Pama, una etiqueta de reggae muy cobrable de finales de los 60  de reggae que emitió comunicados de 1968-1971 Registros cangrejo era una etiqueta de reggae que emitió comunicados de 1968-1971. Cangrejo era una subsidiaria de Pama Records, quien junto a Trojan Records, fue uno de los principales sellos de música reggae en el Reino Unido. Derrick Morgan fue el artista principal aparece en la etiqueta, que emitió sus registros de producción propia . El artista invitado con mayor regularidad en cangrejo era Derrick Morgan, fue el artista principal aparece en la etiqueta, que emitió sus registros de producción propia  quien estuvo involucrado en no menos de 19 singles en la etiqueta, en unos tres años.

Sello Blue Cat Records

Blue Cat Records (UK) fue un sello subsidiario de Trojan Records. Alrededor de 170 registros fueron puestos en libertad en la etiqueta entre 1968 y 1969, con una variedad de early reggae y rocksteady lanzamientos de artistas como los pioneros, los intocables y los Maytones

45 Discography for Blue Cat Records

101	Jimmy Justice	Don't Let The Stars Get In Your Eyes The Guitar Player (Her And Him)	1964
102	The Ad Libs	The Boy From New York City Kicked Around	Dec-1965
103	Little Joseph	The Story Of Christmas Christmas Jingle	Dec-1965
104	Alvin Robinson	Something You Got Searchin'	1965
105	Bruce Forsyth	Real Live Girl Deep Down Inside	1965
106	Bessie Banks	Go Now It Sounds Like My Baby	1965
107	The Soul Brothers	Keep It Up I Got A Dream	Feb-1965
108	Alvin Robinson	How Can I Get Over You I'm Gonna Put Some Hurt On You	Mar-1965
109
110	The Regents	Me And You Playmates	1965
111	Ronnie Mitchell	Having A Party I'm Loving You More Everyday	Apr-1965
112	Sam Hawkins	Hold On Baby Bad As They Come	Apr-1965
113	Alvin Robinson	Let The Good Times Roll Bottom Of My Soul	May-1965
114	The Ad Libs	He Ain't No Angel Ask Anybody	May-1965
115	The Beetles	Welcome To My Heart Ain't That Love	1965
115	The Bouquets	Welcome To My Heart Ain't That Love	1965
116	The Fenways	Hard Road Ahead The Fight	1965
117	Goodies	The Dum Dum Ditty Sophisticated Boom Boom	Jun-1965
118	Evie Sands	Take Me For A Little While Run Home To Your Mama	Sep-1965
119	The Ad Libs	On The Corner Oo-Wee, Oh Me Oh My	Oct-1965
120	Bubbles & Co.	Underneath My Pillow Just One Girl	1965
121	Sam Hawkins	I Know It's Alright It Hurts So Bad (Drip Drop)	Nov-1965
122	Evie Sands	I Can't Let Go You've Got Me Uptight	Nov-1965
123	The Ad Libs	I'm Just A Down Home Girl Johnny My Boy	Dec-1965
124	Newby	I Can't Grow Peaches On A Cherry Tree The Children Sleep	1966
125	Sidney Barnes	I Hurt On The Other Side Switchy Walk	1966
126	Charles Brandy	Without Your Love I Can't Get Enough Of You	1966
127	Tiny Tim	April Showers Little Girl	Mar-1966
128	Linda Jones	Fugitive From Love You Hit Me Like TNT	1966
129	Didi Noel	Let The Music Play No More Tears To Cry	1966
130	Eddie Jacobs	I'll Be Right Back Seven Days	1966

Escuchar  todos sus discos 

Duke Reid

Arthur "Duke" Reid, CD (nacido en 1915 en Portland, Jamaica, fallecido en 1975) fue productor discográfico jamaicano, DJ y propietario de un sello discográfico.

Poseía uno de los sound systems más populares de Jamaica de los años 1950 llamado Duke Reid's the Trojan en honor al tipo de camión británico que utilizaba para transportar el equipo. En los años 1960, Reid fundó el sello Treasure Isle, denominación que venía del nombre de su tienda de licor, que producía ska y rocksteady. A comienzos de los años 1970 todavía se mantenía activo trabajando junto al toaster U-Roy. Murió en 1975 tras haber sufrido una severa enfermedad durante su último año de vida.

Sello treasure island records

Treasure Isle (sello discografico) fue creado por Duke Reid en el ultimo piso del negocio familiar en Jamaica en los 50´.Se abrió camino en el negocio de la música por primera vez con un Sound System (discoteca móvil al aire libre) propietario, promotor y disc jockey. Que rápidamente superó Tom the Great Sebastian y su Sound System que era el más popular de Jamaica. Pronto fue también patrocinador y presentador de un programa de radio, Tiempo de Treasure Isle....

 

 

Duke Reid fue uno de los padres fundadores de la industria de la música jamaicana, quizá el segundo en importancia sólo a su principal rival, Clemente "Coxsone" Dodd, tanto como productor y empresario. Al igual que Dodd, Reid comenzó su carrera en la música como un DJ, entonces dueño de un sistema de sonido, y luego una cabeza etiqueta (sobre todo de troyanos y Treasure Isle), a continuación, un productor altamente consumado artífice de algunos de los más grandes de la música jamaicana de los '60. Su carrera abarcó los primeros días del ska a la era del rocksteady, ya través de los primeros años 70, cuando ayudó a sentar las bases de la era DJ / tostadora. En su mejor momento, Reid cortó un perfil llamativo, extravagante y era conocido por su personaje de tipo duro, el producto de su carrera anterior como policía. Por lo general lleva un revólver y municiones cinturón cargado, todo de manera destacada, ya veces una granada de mano o un machete por efecto adicional. Sus tácticas de negocios podría ser similar puro y duro, pero Reid no era un simple matón; su verdadera habilidad como productor sigue siendo la piedra angular de su legado, en particular, su trabajo durante el apogeo del rocksteady. Arthur S. "Duke" Reid nació en Portland, Jamaica, probablemente en 1915. Se trasladó a Kingston en su adolescencia y, finalmente, tomó un trabajo como oficial de policía, una profesión a la que dedicó diez años de su vida. Renunció a fin de ayudar a su esposa a ejecutar su tienda de comestibles éxito. Un amante de la música desde hace mucho tiempo, comenzó a atraer a más clientes mediante la reproducción de discos de fuera de la tienda - en su mayoría de América del R & B y el jump blues, así como algunos de calipso. Con el auge de negocios, la pareja pronto se trasladó a un local más amplio en Bond Street, que fue apodado el Treasure Isle Liquor Store. Reid comenzó a presentar su propio programa de radio, Treasure Isle Time, y también comenzó un negocio de equipo de sonido móvil, no vaya con sus registros y el equipo estéreo del dancehall de dancehall en un camión de plataforma de Troya (que le dio su apodo de secundaria, el troyano). Era como un DJ dancehall que Reid creó por primera vez su imagen; se portaron armas abiertamente, a menudo llevaba una capa, ya veces entró en sus conciertos por tener sus asociados lo llevan pulg Como su rivalidad con Coxsone Dodd intensificado, Reid hizo más y más viajes a los Estados Unidos para buscar a barajar instrumentales saxo oscuros lados de R & B y. Participaciones exclusivas hicieron cada vez más importante para el éxito de un sistema de sonido, y Reid y Dodd tanto rascaban los títulos y etiquetas en sus registros, el cambio de nombre para proteger sus identidades verdaderas. En una anécdota famosa, Reid se topó con una copia de una de las sintonías de Dodd, y debutó en una batalla que sistema de sonido con una Dodd conmocionado y consternado. Reid fue frecuentemente acusado de tácticas sin escrúpulos; pandillas de matones (o "colados dancehall") serían a veces crear problemas en los bailes de sus competidores, con la esperanza de conseguir el partido cerrado por la policía (y quizás romper un poco de equipo en el proceso). Sin embargo, Reid también tenía el público de música querían, y ganó batalla superior sistema de sonido de Jamaica tres años consecutivos, 1956-1958. Como cantante de R & B se convirtieron en rock y soul, se hizo cada vez más difícil de encontrar el tipo de registros que jugaron a los gustos de Jamaica. Así, se hizo cada vez mayor sentido de negocio para los propietarios de sistemas de sonido para hacer sus propias grabaciones de artistas locales que podrían entregar más de lo que querían los oyentes. Reid construyó un estudio de grabación directamente sobre el Treasure Isle Liquor Store, y comenzó a publicar material original a partir de 1959. Formó una banda de la casa y emitió los solteros por gente como Derrick Morgan y el Jiving Juniors durante los próximos tres años. Durante ese tiempo, las ranuras de reproducción aleatoria de estilo-de R & B de finales de los años 50 estaban dando forma al sonido ska sincopado. Al mismo tiempo, los registros - pensado inicialmente como propiedad exclusiva del sistema de sonido que fueron cortadas para - se convirtieron cada vez más rentable una vez que se pongan a la venta para el público en general. Reid, que se había acercado previamente registros como empresa secundaria, cambió su enfoque para hacer que su principal prioridad en la partida 1962 De 1962 a 1965, las etiquetas de Reid -. Principales Treasure Isle entre ellos - emitieron numerosos éxitos ska por los gustos de la Skatalites, Stranger Cole, las Técnicas, Justin Hinds & the Dominoes, y más. Sin embargo, no fue hasta la llegada de Alton Ellis y la génesis del ritmo más lento rocksteady en 1966 que Treasure Isle fue capaz de superar a Dodd Studio One como la etiqueta de mayor renombre en Jamaica. Los años de apogeo del rocksteady (1966-1968) fue testigo de muchas de las mejores producciones de Reid, hecho por un virtual quién es quién del estilo: Ellis, Phyllis Dillon, los Melodians, los Paragones, los etíopes, y los jamaiquinos, entre otros. La mayoría de ellos fueron respaldados por la nueva banda de la casa de Reid, Tommy McCook y los Supersonics, que fueron guiados por el ex saxofonista de Skatalites. Como rocksteady se desvaneció y las raíces del reggae rastafari comenzó a asumir el control, Reid se vio en un dilema: la nueva música no era en absoluto de su agrado, en particular los-sociales de protesta letras, y que la postura cada vez le hacía parecer parte de un viejo musical guardia cuyo tiempo había pasado. Afortunadamente, había otra cervecera tendencia en los salones de baile: DJs empezaban a insertar su propio golpeteo rima, apodado "chatear" o "tostar", sobre los registros populares. Paragones llevan cantante John Holt llevó el pionero en esta área, U-Roy, al estudio de grabación de Reid en 1970. Reid se convenció rápidamente para grabar U-Roy, y se le ocurrió la idea de simplemente tener el chat DJ sobre pistas de ritmo preexistentes desde el pasado Treasure Isle hits. Los resultados fueron muy populares; en un momento, cuatro de los primeros singles del U-Roy dio en el Jamaican Top Five de una vez. Reid siguió registrando U-Roy a través de los principios de los 70, el saqueo de su catálogo sustancial de vuelta para el material, y también dio a conocer los registros de otros DJs tempranos, más notablemente Dennis Alcapone. Desafortunadamente, Reid cayó gravemente enfermo en 1974; después de sufrir durante la mayor parte de un año, que falleció en 1975. Numerosas retrospectivas de su trabajo de producción ya que se han editado en CD. ~ Steve Huey, Rovi

Un poco de Clyde McPhatter

Clyde McPhatter (vocalista, nacida el 15 de noviembre de 1932 murió el 13 de junio 1972)
"Si hay una sola voz a través del cual las glorias de R & B corrió su curso en la década de 1950", escribió Nick Tosches, "puede muy bien ser Clyde McPhatter de."
Clyde McPhatter poseía un instrumento vocal único, un alto tenor animado que capturó la promesa y el fervor de los años cincuenta adolescentes. McPhatter fue uno de los primeros cantantes de cruzar desde la iglesia hasta las listas de pop y R & B. Era el hijo de un ministro bautista que nació en Carolina del Norte y pasó su adolescencia en el norte, en Nueva Jersey y Nueva York. Hizo la travesía desde sagrado secular a los 18 años, cuando fue invitado a unirse a grupo vocal del cantante Billy Ward, el dominó, después de dar vuelta a las cabezas con su actuación de Lonnie Johnson de "Mañana por la noche" en un espectáculo de aficionados en el Apollo Theatre de Harlem. McPhatter fue anunciado inicialmente como "Clyde Ward," y se decía que era el hermano de Billy.
  Radiante, tenor evangelio entrenados de McPhatter irrumpió en la escena R & B a principios de los años cincuenta en "hacer algo por mí", "Have Mercy Baby", "The Bells" y otra del Dominó "docena éxitos R & B. En "Have Mercy Baby", que encabezó las listas de R & B durante diez semanas en 1952, McPhatter trabajó él mismo al borde de las lágrimas. Por refundición emocionalidad ferviente del Evangelio - un estilo conocido como el canto "santificado" - en un rhythm & blues de ajuste, que presagiaba lo que vendría a ser conocido como la música soul.
  Chafing bajo la disciplina de Ward, McPhatter dejó el Dominó en 1953 y se le ofreció rápidamente un contrato de grabación y la categoría de estrella con su propio grupo por Ahmet Ertegun de Atlantic Records. Clyde McPhatter y los Drifters cortaron una cadena de enorme popular R & B hits, incluyendo "Such a Night", "Money Honey" (el más grande de R & B hit de 1953), "Honey Love" y una versión de doo-wop intemporal de "White Christmas. "
A su paso por el ejército interrumpió su estadía con los Drifters, pero retomó su carrera como solista tras su puesta en libertad, disfrutando de otra exitosa carrera en Atlántico durante la segunda mitad de los años cincuenta. (The Drifters continuó sin él, la contratación de una sucesión de cantantes.) En 1958, McPhatter anotó el mayor éxito de su carrera, "Cuestión de un amante", un clásico de doo-wop / R & B que capturó su voz a un punto óptimo de maduración. Tenía una docena más éxitos pop R & B y durante los años cincuenta posteriores en Atlántico, incluyendo lugares tan famosos como "Treasure of Love" (su primer número uno como solista) y lo sublime "Sin amor (No hay nada)." Su último Atlántico golpeó, "te fuiste a tu palabra", vino a finales de 1959, momento en que su contrato expiró.
Tras una breve estancia en el MGM, que arrojó un golpe de menor importancia: "Vamos a intentarlo de nuevo," McPhatter trasladó a Mercury Records, donde pasó la primera mitad de los años sesenta que trabajan con el productor Clyde Otis. En Mercurio, que anotó éxitos como "Lover Please" y "Little Bitty Pretty One" y grabó algunos álbumes de gran prestigio, entre ellos las canciones cortésmente conceptuales de la Gran Ciudad. También grabó cinco singles preciadas crítica pero comercialmente fracasado para el sello Amy a mediados de los años sesenta. En 1966 un McPhatter desilusionados se trasladó a Inglaterra, donde todavía se venera. Regresó a los Estados Unidos en 1970, marcando el evento con un álbum titulado Welcome Home. Por desgracia, resultó ser su última grabación. La carrera de McPhatter había estado en constante disminución, debido a los crecientes problemas personales, incluyendo un alcoholismo debilitante, y murió mientras dormía de un ataque al corazón a la edad de 39.
  Si bien las contribuciones pioneras de Clyde McPhatter como soul y R & B cantante han ido generalmente undernoticed fuera de los círculos de la música, su ferviente voz y la entrega apasionada influyeron artistas como Smokey Robinson, Ben E. King (uno de sus herederos en los Drifters), Aaron Neville y Jackie Wilson (su sucesor en el dominó).
"Fue uno de los primeros chicos que he escuchado," dijo Robinson poco después de la muerte de McPhatter en 1972. "Cuando llegó por primera vez en la escena con [Billy Ward y el Dominó], él era el hombre."
"Cualquier cosa Clyde canta es una oración," Aaron Neville dijo a la mina de oro Bruce Sylvester. "Cuando yo era niño, no me importa qué más estaba pasando en el mundo - Jim Crow, todas las otras cosas - que podría poner en Clyde McPhatter y todo desaparecería."

Un poco sobre Aretha Franklin "La Reina del Soul"

" Respeto "," Chain of Fools ", y" A Natural Woman "son sólo algunos de los títulos que hicieron Aretha Franklin una figura colosal en la música americana. Ella ha vendido más de 75 millones de discos, ha ganado 18 premios Grammy y ha logrado considerable éxito Top 40. Sus obras musicales que nos rodean, y uno no tiene que ser un gurú de la música del alma para tener un conocimiento experto de la letra de alguna de sus mejores canciones. A pesar de que luchó para encontrar su sonido característico durante las primeras etapas de su carrera, su decisión de asociarse con Atlantic Records en los años 60 marcó el inicio de la época dorada de Aretha como artista de grabación. Su desarrollo bajo la tutela de Atlantic Records productor Jerry Wexler ayudó a solidificar su lugar entre los mejores artistas del mundo.

"Ella no es un vocalista. Ella es una intérprete de la vida "-. David Ritz

Aretha Louise Franklin nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee. Ella era la hija de Barbara Siggers y Clarence "CL" LaVaughn Franklin, un predicador y los derechos civiles Bautista legendaria activista. Después de que sus padres se divorciaron y la familia se trasladó a Detroit, Michigan, CL Franklin la instó a cantar y tocar el piano a New Bethel Baptist Church, donde fue fundador y pastor. Aretha estaba profundamente arraigada en la tradición de la música espiritual, y ganó su carrera en el mundo de la música como cantante gospel. Sin embargo, ella finalmente firmar un contrato discográfico con Columbia Records como artista secular después de un éxito moderado como un acto independiente.

"Tienen Aretha para grabar un tipo mucho más funky de estilo en Muscle Shoals. Fue realmente la esencia de su "-. Mick Jagger

En 1967, Aretha firmó con Atlantic Records después de la expiración de su contrato de grabación con Columbia. Ella no había tenido el éxito de la brecha que ella esperaba en su etiqueta anterior, y estaba ansioso por comenzar una nueva vida en un nuevo hogar. Le fue asignado de inmediato con el legendario productor Jerry Wexler, ya petición suya, se dirigió a Muscle Shoals, Alabama, para grabar en FAME Recording Studios de la localidad. Wexler quería tomar Aretha, lejos del bullicio de Nueva York y Los Ángeles para una incubadora de sonic para grabar un sonido que era más auténtico a sus raíces. Las sesiones en Muscle Shoals tuvieron éxito en establecer el vínculo entre productores y artista entre Wexler y Franklin, y la pareja fue capaz de producir el hit single " I Never Loved A Man (The Way I Loved You) "durante ese tiempo.

Franklin pasaría a tener muchos éxitos en las listas de éxitos Atlantic Records bajo la dirección de Wexler. Algunos títulos notables incluyen " Respect "," Chain of Fools "," Rock Steady "y" Think "Franklin recordaría más tarde," viene a Muscle Shoals fue el punto de inflexión en mi carrera. "Franklin se quedó con Atlantic Records desde 1967. - 1979. Este período es considerado como su más prolífico y comercialmente exitoso. Recibió 10 premios Grammy durante su mandato para las obras que co-produjo con Jerry Wexler y el equipo de producción estimada del Atlántico, en Nueva York y en Muscle Shoals.

La letra de " Respect "son bien conocidos por los jóvenes y viejos. Menos conocidas son las historias detrás de grandes canciones y grandes artistas. La relación entre el artista, el productor y la etiqueta es algo sagrado. Las paradas y arranques en la carrera de Aretha y las diversas transiciones de su estilo de grabación son un testimonio de la importancia del desarrollo de artistas y el apoyo de la etiqueta. ¿Se puede imaginar lo que sería nuestro paisaje musical si Aretha había han pedido que se cierra después de sus intentos fallidos de una carrera en Columbia Records? La maravillosa química entre Aretha Franklin, Jerry Wexler y Atlantic Records está bien documentada a través de las obras musicales que produjo. Estas obras son ejemplos de la última sociedad musical.

Atlantic Records

Atlantic Records (Atlantic Recording Corporation) es una compañía discográfica estadounidense, perteneciente a Warner Music Group 

Herb Abramson fue uno de los dos miembros fundadores en 1947. Él era la parte más ambiciosa del dúo de productores, con un gran deseo de encontrar nuevos talentos, además de una buena experiencia mientras trabajaba para el sello National. Desafortunadamente Herb fue reclutado por el ejército, y a su vuelta tras dos años, su puesto estaba ocupado por Jerry Wexler, quedándose él sin nada que hacer allí, por lo que vendió parte de la compañía por 300.000 dólares y se alejó de cualquier tipo de relación con Atlantic Records.

Ahmet Ertegün fue el cofundador junto a Abramson, como socio capitalista. Inicialmente trabajó en la parte financiera, pero en muy poco empezó a reclutar artistas y a producirlos él mismo. Consiguió a artistas de la talla de Ray Charles, Lavern Baker y Joe Turner. En los 1960 introdujo como ingenieros de sonido y productores a Tom Dowd y Arif Mardin, por lo que él empezó a dedicarse más a la dirección general de la compañía. En 1987 pasó a integrar el Salón de la Fama del Rock.

Neshui Ertegün, hermano de Ahmet Ertegün, entró a formar parte de la compañía en 1956, después de haber fundado su propia compañía en Los Ángeles, Jazzman. Se dedicó más a las grabaciones de jazz, con artistas como Charles Mingus, John Coltrane o el The Modern Jazz Quartet y Miles Davis. Ocupó diversos puestos dentro de la compañía, y con las distintas asociaciones de la compañía con Warner y Elektra, entre otros. Ha sido uno de los ejecutivos que más ha perdurado. Pasó a formar parte del Salón de la Fama del Rock en 1991.

Jerry Wexler era al principio uno de los comentaristas de rythm & blues más afamados de la revista Billboard. Esto y su amor por la música hicieron que se convirtiera en una de las grandes figuras de la compañía. Lavern Baker y Dusty Springfield, están en su curriculum, pero su gran popularidad le llegó con su trabajo junto a Aretha Franklin. Con el tiempo su talento en la producción, lo ha convertido en una figura mítica en la industria de la música. Es miembro de Salón de la Fama del Rock desde el año 1987.

Historia 

Una pieza importante en la historia de la música es el sello Atlantic Records, quizá junto a Motown uno de los que marcaron época en el soul y el jazz de los 60's. Si bien Motown probablemente fue muy potente en el soul y la música negra en general, Atlantic creció hacia otras corrientes musicales y dieron cabida a muchos artistas más experimentales... por otro lado, supieron reinventarse mejor que Motown y adaptarse a los tiempos sin presentar el gran declive que tuvo la primera sobre todo a finales de los 70's y comienzo de los 80's.

Para los que quieran saber de la historia del sello, este link de wikipedia la resume bastante bien, especialmente el link con la lista de artistas pasados y actuales del sello.

Respecto a la música el mejor resumen disponible es el box que sacaron "Atlantic Records: Time Capsule", con 9 cd's, un DVD, un vinilo y un libro, donde muestran lo mejor de la historia del sello, y se puede ver a diferencia de Motown que la temática fue cambiando notablemente a lo largo del tiempo.

Para revisarlo mejor lo vamos a separar en tres períodos de 3 Cd's (playlists cada uno), partiendo hoy con los tres primeros. Acá un playlist resumen de los tres primeros Cd's y después una breve descripción con el tracklist completo de cada cd.

Los orígenes en el jazz

En este CD que marca la primera etapa a finales de los 50's comienzo de los 60's claramente está dominado por autores de jazz (Coltrane, Mingus, etc.), con una presencia muy importante de blues y R&B (Ray Charles, Big Joe Turner, Ivory Joe Hunter, etc.). Ciertamente en soul Ray Charles es el nombre de este período, donde dio puntapie al género con la fusión de R&B, gospel y blues, posteriormente también sería importante al integrar dos corrientes musicales separadas racialmente como eran el country y el pop.

El auge del blues, soul y R&B

Así como Motown tuvo íconos femeninos como Diana Ross y las Supremes, Atlantic también tuvo su referente en el soul, el gospel y el R&B en Aretha Franklin...ciertamente no hay consenso en quien es superior, y ha sido un tópico de discusión frecuente. Otro ícono del soul adicional a Ray Charles fue la figura de Otis Redding, quien incursionó también en otros géneros y fue adoptado como ícono en el movimiento hippie. Hubo innumerables bandas relevantes como Booker T. (rock sinfónico y memphis blues), Don Covay, Buffallo Springfield (la primera banda de Neil Young), Percy Sledge, Albert King, entre otros.

La influencia en los Rolling Stones. Un gran tema del período fue la incorporación del soul, R&B y rock and roll en otras corrientes contemporáneas que influenciaron a grandes bandas que destacarían en las décadas posteriores como Bowie, los Beatles y especialmente los Rolling Stones. Esta última banda realizó innumerables covers de estos géneros, y sus integrantes han hablado extensamente de esas influencias, e incluso han editado discos compilatorios con las bandas que más les aportaron en su música. Para los que les interese el tema en este blog lo analizan mucho mejor de lo que yo podría, quedando pendiente una lista para más adelante en el tópico.

Datos Freak. La película Superbad tiene en su soundtrack "Soul Finger" de The Bar-Keys, si la vieron se van a acordar, buena la canción también. A propósito del accidente minero en Chile una canción que nos recuerda lo que podría haber pasado es "New York Mining Disaster 1941" de los Bee Gees, su primer éxito internacional. En el capítulo final de los Sopranos salió tres veces el tema "You Keep Me Hangin On" de Vanilla Fudge.

Expansión a otros géneros como el folk y el rock psicodélico en la época hippie

En este período Atlantic tuvo dos grandes aciertos en sus fichajes al incorporar a dos superbandas rockeras del período como Cream (banda donde partió Eric Clapton antes de pasar por Blind Faith) y sobre todo Led Zeppelin. De Atlantic también salieron canciones que marcaron el período como "Sitting on the Dock of The Bay" de Otis Redding o "Son of a Preacher Man" de Dusty Springfield (hasta hoy hay debate sobre el real significado de la letra de la canción). Este tema fue recuperado por Tarantino en Pulp Fiction, y de hecho si revisan su filmografía está muy permeada por la música de esta época, destacando por ejemplo la versión del 62 de Dick Dale para "Misirlou" que es una canción popular griega con una historia interesante (link wiki para el que quiera verla).

En el período si bien el origen blusero de Atlantic se mantuvo, se vio una mayor consolidación de otros géneros en la disquera, reflejándose las tendencias de la época hippie, como el folk californiano (Crosby, Still, Nash & Young) o el southern rock (Allman Brothers). De esta última es muy recomendable el album "At Fillmore East" que según muchos críticos está dentro de las mejores grabaciones en vivo de la historia. Atlantic también recogió bandas más experimentales en la escena hippie como fueron Iron Butterfly ("In-A-Gadda-Da-Vida") o Arthur Brown ("Fire"). Este último tenía unas presentaciones en vivo bastante teatrales en las que se pintaba, disfrazaba, usaba coronas de fuego y también tuvo un componente "esotérico" importante en sus letras y artes (se autodenominaba a sí mismo el "Dios del fuego del infierno", vean la letra de "Fire"). Respecto a "In-A-Gadda..." es un tema larguísimo de casi 17 minutos, destacando sus solos instrumentales de guitarra y batería, el cual ha sido sindicado como uno de los embriones del heavy metal y se reflejó nítidamente en los inicios de bandas como Black Sabbath.

Dato Freak. En un capítulo de los Simpson hacen una parodia con "In-A-Gadda-Da-Vida" (canción elaborada en un "viaje" con LSD e inspirada supuestamente en el Edén, Adán y Eva), donde Bart vende su alma y le cambia las partituras a la señora anciana que toca el órgano cantando toda la iglesia "In-the-garden-of-eden"...hasta que el pastor sospecha y dice "esto se parece demasiado a rock and roll" y la anciana que toca el órgano sufre un colapso. Los más puritanos lo ven como un mensaje subliminal bastante ofensivo de Groening (según ellos hay toda una parafernalia de mensajes ocultos o blasfemos en los Simpsons recopilada hasta el cansancio en youtube)...Yo lo encontré realmente divertido la primera vez que lo vi, un detalle genial de los que se han perdido en las últimas temporadas, donde la gracia es meter a algún famosillo de turno en los capítulos y hacer cada vez más increiblemente disfuncional la familia.

Un poco de Funk

El funk es un género musical que nació entre mediados y finales de los años 1960 cuando principalmente músicos afroamericanos fusionaron soul, jazz, ritmos latinos y R&B dando lugar a una nueva forma musical rítmica y bailable. El funk reduce el protagonismo de la melodía y de la armonía y dota a cambio de mayor peso a la percusión y a la línea de bajo eléctrico. Las canciones de funk suelen basarse en un vamp extendido sobre un solo acorde, distinguiéndose del R&B y el soul, más centrados alrededor de la progresión de acordes.
Como buena parte de la música de influencia africana, el funk suele construirse sobre un groove complejo creado a partir de instrumentos rítmicos como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, el órgano Hammond y la batería, que tocan ritmos entrelazados. Los grupos de funk tienen en ocasiones una sección de viento formada por varios saxos, trompetas y, a veces, un trombón, que tocan "hits" rítmicos.
Muchas de las más famosas bandas del género también tocaron música disco y soul. El funk fue una influencia decisiva en el desarrollo de la música disco y del afrobeat. Por otra parte, los samples de funk han sido utilizados de modo generalizado en géneros como hip hop, house y drum and bass. También ha tenido una influencia capital en el go-go.

Rhythm and blues

El rhythm and blues, a menudo abreviado como R&B o RnB, es un género de música popular afro-americana que tuvo su origen en EEUU en los años 1940 a partir del blues, el jazz y el gospel. Se la describió como "una música basada en el jazz, movida, urbana y con un ritmo insistente".Constituyó la base musical para el desarrollo del rock and roll.

El término ha sufrido desde entonces algunas variaciones de significado. En los primeros 1950s, se solía llamar rhythm and blues a los discos de blues,3 pasando pocos años después a referirse a un blues eléctrico que incorporaba gospel y soul. En los años 70, "rhythm and blues" se convirtió en un término genérico que incluía la música soul y el funk. En los 80, se desarrolló un nuevo estilo de R&B, alejado ya del original, que pasó a conocerse como "R&B contemporáneo".

En la actualidad es habitual usar el término rhythm and blues (o R&B) para referirse a este último género contemporáneo.


Cabe suponer que los primeros cargamentos de esclavos llegados a América, además de desconocer la nueva lengua, seguían empleando su folclore como forma de expresión para bailes, alegrías, lutos y dolores. Y que los primeros cantos negros que se oyeron en las vastas plantaciones del Mississippi eran temas puramente africanos, sin mezcla blanca alguna. Pero fueron cientos los años de convivencia y los negros fueron adoptando costumbres y religiones blancas. En las iglesias protestantes el canto es parte fundamental de la liturgia y los fieles de color empezaron a cantar temas evangélicos que sutilmente empezaron a transformar. En las iglesias negras empezó a practicarse de nuevo el sistema de pregunta (la palabra del predicador) respuesta (la contestación de los fieles) y pronto nacieron modalidades en la música religiosa que se conocieron como gospel o negro spiritual.

Este tipo de música permitía además al pueblo sojuzgado expresar su protesta por medio de metáforas o parábolas de contenido bíblico. «Joshua fit the battle of Jericho», «We shall overcome», «Swing low, sweet chariot», «The upper room» y otros centenares de canciones del mismo tipo encontraban en el mundo espiritual, o en la otra vida, la justicia que la vida real negaba al pueblo negro. Cuando este tipo de canciones empezó a tratar temas profanos, no sin dificultades entre la propia comunidad negra que rechazaba por herético este uso de su acervo musical, el gospel empezó a dar paso al blues.

Quizás una de las más claras diferencias que se produjeron inmediatamente entre el espiritual y el blues fue el carácter colectivo, muchas veces de himno, de la música de contenido religioso y el profundo individualismo del blues, que solía ser el lamento personal de quien se sentía triste por la vida que llevaba o porque no lograba el amor de la persona deseada. El blues no estaba bien visto en las plantaciones, porque bajaba la moral del personal y porque a nadie le gusta escuchar protestas cuando puede evitarlas. Por eso hasta el final de la guerra civil, que significó la emancipación de los esclavos, el blues no logró la misma difusión que el gospel.

Pero cuando se abolió la esclavitud y miles de negros se vieron libres para moverse por el país y buscarse su propio modo de vida, el blues empezó a extenderse de la mano de cantantes vagabundos y pedigüeños callejeros. Las esquinas de las grandes ciudades se vieron sorprendidas por una auténtica invasión de cantantes populares que con sus guitarras y a veces armónicas o tablas de lavar, cantaban, gemían, gruñían o aullaban sus penas y dolores. Es significativo que entre las primeras figuras legendarias del blues varios fueran ciegos, porque en su enfermedad la música era una forma de ganarse la vida.

A comienzos de siglo el blues era una realidad social en la música negra y aunque el primer jazz, el vitalista de Nueva Orleans, prefería temas más divertidos e intrascendentes, pensados para bailar, desfilar o acompañar celebraciones diversas, no pudo quedar inmune al blues y la tristeza latente en su música se colaba insidiosamente en esos vibrantes solos de trompeta o en esas intervenciones de un clarinete llorón, que daban un toque de humanidad a las primeras interpretaciones de la nueva música. Cuando a partir de los años veinte la industria de la grabación se convirtió en un negocio, fueron muchas las pequeñas compañías que pusieron sus ojos en la música negra, olvidada en principio por las grandes, porque la relación inversión/ganancia era menor que en los discos blancos.

Nacieron así los race records, esas grabaciones hechas por y para negros que hasta los años cuarenta fueron casi siempre, además de piezas de jazz, blues campesinos más llenos de lástima y autocompasión que de música. Pero la población negra empezaba a ser también urbana. Y los músicos de color, que al principio parecían refugiados exclusivamente en Louisiana o Texas, empiezan a subir hacia el norte, siguiendo, primero, el camino inexorable marcado por el cierre de Storyville y, luego, el voluntario a la búsqueda de su nuevo público: el obrero de color instalado en los núcleos industriales de Chicago, Pittsburgh o Detroit.

En los años cuarenta, Chicago se convirtió en la capital de la música negra. Era una ciudad rica, que en la década de la prohibición había visto multiplicarse los antros clandestinos y necesitaba nuevas aportaciones de músicos para dar diversión a sus locales. Pronto los cantantes de blues se dieron cuenta de que su estilo nada decía a las nuevas generaciones que nunca habían vivido la dureza de la recolección del algodón ni la injusticia de la esclavitud. Sus problemas eran ahora sindicales y urbanos: el transporte, los servicios, la vivienda y el trabajo. Por otro lado, era lógico que cuando se reuniesen no quisieran oír la recapitulación de sus penas, sino olvidarlas con una música alegre y bailable.

El piano, como instrumento de acompañamiento de la música negra, pronto se mostró como indisoluble del jazz, mientras la guitarra, más fácil de transportar, fue el instrumento base de los bluesmen trashumantes que se extendieron por todo el país con su nueva música.